3.M's Favorite music! ～麻枝准的音乐历程～

M's Favorite music! ～麻枝准的音乐历程～

by 麻枝准

我将写下自己迄今为止接触过的音乐历程。

这些音乐对我的创作生涯产生了巨大的影响。

第1部分

小学六年级时，朋友推荐我听了TM NETWORK的音乐，这是第一首我深深着迷的音乐。

当时，他们已经发行到了第5张专辑《humansystem》，而我尤其被这张专辑吸引。

小室进行（Am-F-G-C）的代表作是《Get Wild》，但在我心中，小室进行更让我印象深刻的是《humansystem》中的《Human System》和《Resistance》。

抒情曲中，我特别喜欢《This Night》，每到冬天我都会想听它。

我第一次接触纯音乐也是通过《humansystem》中的《Dawn Valley》，当时我还买了钢琴谱拼命练习，这对后来我创作BGM产生了很大影响。

初中一年级时，他们发行了《CAROL～A DAY IN A GIRL'S LIFE 1991～》，这是我第一次买的CD。

我也制作了三张名为《Love Song》系列的概念专辑，这完全受到了这张专辑的影响。我认为这是一张无论过去还是未来都难以超越的完美概念专辑。

第二年发行的《ぼくらの七日間戦争》的原声带《SEVEN DAYS WAR》也对我制作BGM产生了巨大的影响。每一首曲子都深深触动了我的心。不仅是小室进行，我现在试图创作的“感人旋律”也是在这个时期通过小室哲哉的作品形成的。

在专辑方面，我喜欢《humansystem》的曲目质量，以及《CAROL～A DAY IN A GIRL'S LIFE 1991～》的专辑完成度，这两张专辑难分高下。

在单曲方面，我喜欢《Human System》《Children of the New Century》《Spanish Blue(遙か君を離れて)》《ELECTRIC PROFHET(電気じかけの予言者)》。意外的是，我并没有特别喜欢TM的那些经典单曲。

高中时，我在修学旅行的巴士上听了《BAD COMMUNICATION》中的《OUT OF THE RAIN -OFF THE LOCK STYLE-》，受到了极大的震撼，从此也迷上了B'z。尤其是这首曲子，充满了后来我喜欢的电子音乐元素，我认为这是一个非常合适的入门曲。顺便一提，这首歌的副歌部分也使用了小室进行（Am-F-G-C）。松本孝弘曾担任TM的支援成员，因此早期他的作品中有很多模仿小室哲哉的痕迹。

那时，我买齐了电脑（PC-8801FH）、音序软件（Recomposer）和音源（Roland CM-32L），然后买了TM和B'z的乐队谱，用音序软件将这些谱子输入进去，重现音乐，并了解每件乐器是如何运作的，从而理解曲子的结构。这直接成为了我作曲的学习过程。

直到现在，我仍然用高中时学到的这些知识来写曲子。

当时有一种现象，如果你喜欢TM，那么你也会喜欢Epic Sony发行的所有音乐。

其中之一就是大江千里。

我最喜欢的专辑是《OLYMPIC》。尤其是《塩屋》和《夏渡し》这种这样充满画面感的歌词，对我产生了巨大的影响。

在此之前，我写的歌词大多是心理描写，但从那时起，我意识到了情景描写的重要性。

直到现在，我心中依然将小室哲哉视为作曲的师父，将大江千里视为作词的师父。

第2部分

小室哲哉所创作的那种令人感伤的器乐曲，最终一定会让人遇到坂本龙一的《战场上的快乐圣诞》主题曲《Merry Christmas, Mr. Lawrence》。我个人认为这是每个人的必经之路。大家会惊叹道：竟然有这样悲伤而美丽的曲子！然后会去租借坂本龙一的其他CD来听。本以为会充满像《Merry Christmas, Mr. Lawrence》那样悲伤而美丽的曲子，结果却大失所望。完全与想象不同，甚至让人觉得有些诡异。我也擅自认为这是大多数人都会经历的过程。

从Energy Flow被用于广告开始，坂本龙一的作品中增加了许多像治愈音乐或电子音乐那样温柔的曲子，但他早期的作品却非常尖锐。我当时租来听的最新专辑是1986年发行的《未来派野郎》，由于其中的音乐太过陌生，我虽然把它录到了磁带里，但心想再也不会去听了。然而，后来我战战兢兢地（实际上，这张专辑确实有些吓人）重新听了几次，突然有了一个突破性的感受：这音乐真是太棒了！这种感觉就像是我获得了一种能够聆听从未接触过的未知音乐的耳朵。

从第一首Broadway Boogie Woogie开始，我原本觉得使用了大量采样人声，显得很诡异，但后来却觉得它非常时尚且酷炫，逐渐适应了这种风格。

通过这张专辑，我的音乐欣赏范围一下子拓宽了，至今我仍对这次相遇心怀感激。如果没有遇到这张专辑，我可能连西洋音乐都不会去听。如果有读者希望拓宽自己的音乐欣赏范围，我建议可以反复听这张专辑，直到喜欢上它。

在我主持的杀伐RADIO节目中，好友中川曾揭示了一个比例：麻枝音乐中，TM占20%，小室占20%，坂本龙一占30%，ZABADAK占20%，尾崎丰作为隐藏元素占10%。为了证明这个比例，我想在这里贴出我在高中一年级时创作的第一首器乐曲。

（因为某些原因搞不到这张图）

这首连和弦进行都不太清楚、摸索着写出来的曲子叫《Zipangu（ジパング）》。是不是太像坂本龙一的风格了？

上了高中后，我迷上了尾崎丰。在那个敏感的青春期，大家要么迷上长渕刚，要么迷上尾崎丰，而我属于后者。正如前面提到的中川所分析的比例，我写的曲子中也一定融入了尾崎丰的风格。

不过，我并不是因为那些所谓的“十年代言人”的歌词而产生共鸣，而是单纯被他的旋律创作所吸引。

我喜欢的曲子有《Forget-me-not》《街路树》《诞生》等，可能和那些狂热的尾崎丰粉丝不太一样。

在专辑方面，我喜欢《壊れた扉から》和《诞生》，并不是他早期的作品。

我特别喜欢《街路树》副歌部分的悲伤感。最近在网上查了一下，副歌的和弦进行如果用C大调表示就是“A7-Dm7-G7-C”。

Dm7被称为“下属和弦”，功能和F和弦相同。如果省略七和弦，可以写成“A-F-G-C”。如果读过我之前的文章，你可能会发现，这其实就是“小室进行”（Am-F-G-C）的第一个和弦从“小调”变成了“大调”。

我第一次使用这种“街路树进行”（而非“小室进行”）是在《Little Busters!》的插曲《Song for friends》的桥段部分，从“怯えきってしまった小さなてのひら～”开始。麻枝准与やなぎなぎ合作的《きみのairplane》的A段也使用了这种进行。

我喜欢这种进行的地方在于，虽然第一个和弦是大调，听起来很明亮，但由于几乎是小室进行，从A大调转到F的瞬间，会产生一种强烈的悲伤感。如果从A小调开始，这种落差就不会出现。因为从小调开始，某种意义上是一种“预定调和”。

接下来是值得在这里分享的内容：我在《成神之日》的插曲中也使用了这种和弦进行。它的BGM版本在故事的开头部分播放，希望大家能感受到这种“街路树进行”的魅力——第一小节还很明亮，但从第二小节开始，突然变得悲伤，这种落差感。

第3部分

初中三年级到高一期间，我曾痴迷于电视节目《三宅裕司的乐队天国》（简称“イカ天”）。初代总冠军FLYING KIDS的首张专辑《続いてゆくのかな》是我的最爱，至今仍在我创作催泪剧本时的播放列表中占据一席之地，尤其是《幸せであるように》《きのうの世界》《君が昔愛した人》这几首歌。《Life is Like a Melody》的尾奏部分还受到了《幸せであるように》尾奏的影响——连我自己做的Demo也是类似的风格。

记得有一次看“イカ天”时，意外发现当时的美术老师以鼓手身份登场，让我大吃一惊。虽然很想和他畅聊音乐，但碍于身份似乎成了禁忌。受这档节目影响，我开始偏爱乐队音乐而非电子编曲。THE BOOM也是我的心头好，家里那把古典吉他上第一首能完整弹奏的曲子就是《中央线》。

最近通过流媒体重温了他们的第三张专辑《JAPANESKA》和第四张《思春期》，惊叹于这两张作品的完成度。尤其是《思春期》，当第九首《岛呗》让我以为专辑将以这首宏大曲目收尾时，紧接着的终曲《サラバ》却更震撼人心，当时不禁感叹“这专辑到底有多厉害？！”后来《岛呗》作为单曲大火，但对我而言，《サラバ》始终是《思春期》这张专辑的终极华彩乐章，宛如一场壮丽的接力。

高中时在超市收银打工，附近CD租赁店让我邂逅了游佐未森和ZABADAK。那时没有网络，全凭店员手写的推荐文选择唱片，很感谢他们总能写出吸引我的文案。游佐未森作品中，制作人外间隆史构建的世界观令我着迷（当然还有她的容貌）。《空耳の丘》《ハルモニオデオン》《HOPE》这些专辑附带的童话小册，其概念性深刻影响了我后来的《Love Song》系列创作。我常提到，让女声主唱使用“ぼく”作为第一人称的偏好，正是源于游佐未森的影响。尤其钟爱《空耳の丘》，那种奇幻冒险中带着淡淡哀愁的氛围，宛如后来接触的动画歌曲，堪称时代的先声。

有个相关轶事：为《成神之日》OP编曲时，我曾对编曲师MANYO说：“终于意识到自己追求的是游佐未森《旅人》《风の吹く丘》《靴跡の花》那样的奇幻感。”前两首正收录于《空耳の丘》。具体如何体现敬请通过动画确认——2020年动画主题歌竟参考32年前的作品，足见外间隆史的前瞻性。最爱两首是《HOPE》里的《夏草の線路》和《野の花》，难分高下。后者尾奏的和声还被我用在Key+Lia的《恋心》中模仿致敬。

至于ZABADAK，感谢《遠い音楽》和《私は羊》这两张专辑让我初次接触民族音乐。《遠い音楽》仅凭竖琴前奏就美得令人落泪。但最爱还是《桜》专辑里的《休まない翼》，后来我甚至受其启发创作了《折れない翼》。歌词中频繁使用“强さ”一词也源于此曲影响。游佐未森和ZABADAK因与游戏动画的高契合度，成为我就职后音乐创作的重要参照。

第4部分

大学生时，我的音乐世界以B'z为主。特别是我非常喜欢他们的《TIME》《RUN》，以及单曲《Don't Leave Me》，这些歌曲让我深受影响，尤其是收录在1994年发布的第七张专辑《The 7th Blues》中的歌曲，这张专辑给我带来了很大的启发，我在那个时期写了很多受到这张专辑影响的歌曲。

后来我也发布了一些商业歌曲，其中，Garukero的《Run with Wolves》受到《The 7th Blues》中的《破れぬ夢をひきずって》的影响，HaroHaro的《旅人》则模仿了同专辑中的《farewell song》。

大学四年级时，TM NETWORK宣布解散。这时，我也开始准备结束长时间的学生生涯，准备步入社会，感觉好像一时代的结束。这时，我加入了一个只有四人的音乐心理学研讨班，其中一位同学后来成了我在电子音乐方面的启蒙老师。

那时我们四个人（其中有一位因为忙于兼职几乎没来，所以主要是三个人）在研讨室里，写着毕业论文。那时，我的老师在播放Fila Brazillia的《Mess》这张专辑，这张专辑一直循环播放。我对其中的美丽曲目感到震惊，特别是《But Momma》和《Hairy Insides》这两首歌。通过这张专辑，我开始接触到电子音乐。

与此同时，研讨室里有前辈们留下的磁带，我随意地播放它们。尽管我们三个人的音乐喜好完全不同，但有一张专辑是我们三个人都非常喜欢的，那就是阿部义晴的《Ⓐ》。至今，我认为我听过的最伤感的歌曲就是ユニコーン（Unicorn）的《逆光》，但实际上，阿部义晴的作品才是我心目中最伤感的。

同样地，我也认为，ユニコーン的《ヒゲとボイン》和《すばらしい日々》的结尾部分特别伤感，这种情感来自阿部义晴的键盘演奏。因此，我后来在创作一些伤感的音乐时，也受到了阿部义晴影响很大。

社会人生活开始后，我搬到大阪，常常光顾梅田的TSUTAYA，那里的店员写的音乐推荐对我后来的音乐兴趣产生了巨大影响。特别是他们的电子音乐专辑区，那时我听了μ-Ziq的《Lunatic Harness》，这张专辑给了我极大的震撼。它结合了电子音乐的节奏和怀旧的忧郁情感。

Squarepusher的第一张专辑《Feed Me Weird Things》和第二张专辑《Hard Normal Daddy》，以及接下来的迷你专辑《Big Loada》也同样让我震惊。这些专辑的融合了打击乐和哀伤旋律，打破了我的音乐听觉局限。（对于Squarepusher来说，《Ultravisitor》中的《Iambic 9 Poetry》是让我心动最深的曲目）

有一天，我又去同一家TSUTAYA，看到石野卓球的第二张专辑《BERLIN TRAX》整齐地摆放在试听区。到那时，我之前对没有旋律、机械感强烈的电子音乐并不感兴趣，甚至有些排斥。因为在此之前，我听音乐是为了享受旋律。

但是，当我戴上耳机，试听了第一首《Polynasia》时，我被震撼了，“这是什么呀！这种巨大、震动的鼓点？”我立刻被吸引，接着反复试听，感受到了它带来的快感，最终决定购买。从此我开始喜欢上无旋律的机械感电子音乐。

此外，PS游戏《攻壳机动队》的原声带也是一张经典之作，石野卓球为其创作了标题曲《GHOST IN THE SHELL》，这首曲子我非常喜欢。虽然电子音乐没有旋律，但它有一种能够刺激大脑、带来愉悦感的特质。

如今，我们所说的“ASMR”就是指那种大脑发痒的感觉，而电子音乐特有的愉悦感恰恰能够提供这种体验，我觉得这正是电子音乐的魅力。

最近，我特别喜欢《LUNATIQUE》专辑的重混版本《EUQITANUL》中的《Lunatique (WESTBAM Remix)》，它深邃的感觉让我陶醉。我听这首歌时，常常陷入感伤，简直无法自拔。

第5部分

之后，我在梅田TSUTAYA的Techno专柜也遇到了BT的《ESCM》。那张封面上是漂浮在湖上的巨石，给人一种深邃音乐的印象，仅凭这个“深邃的音乐”这个流行语我就毫不犹豫地购买了，连试听都没听。直到现在，我最喜欢的器乐曲还是那张专辑中的《Flaming June》。

那种哀伤真的是无法用语言表达的。那是一种矛盾般的情感，仿佛是对“陌生的怀旧”的体验。或许正因为我太过热爱BT，后来在2010年发行的《These Hopeful Machines》中，我甚至收到了来自日本发行商Victor的请求，邀请我写贴纸上的推荐语，还可以对BT本人提问——那或许是我人生中最喜悦的瞬间。（那张专辑里我最喜欢的是《Forget Me》。BT亲自演唱的部分很棒，最后一段他把麦克风交给女儿Kaia的情节，非常感人。）

在《Flaming June》之后，BT又推出了同样让人泪腺崩坏的名曲《Godspeed》，我当时就下定决心要一辈子做他的粉丝。

这种哀伤的House音乐，当时被称作Dream House或Epic House。虽然Robert Miles的《Children》是该类型最有名的一首歌，但后来紧接着诞生的又一首名曲就是Chicane的《Offshore》。Radio Edit版本充满疾走感也很棒，而Original Mix的展开真的是“Epic”。他们的专辑《Far From the Maddening Crowds》和《Behind the Sun》都是经典之作。我特别喜欢《Behind the Sun》收录的《Halcyon》和《Autumn Tactics》，那种哀伤感简直让人沉醉。

继承这条路线的还有Salt Tank的《Eugina》也是一首神曲。（听到这首旋律会想起《冰之时钟》的人，你答对了。确实受到它影响）。那时候这首歌只有黑胶唱片版本，虽然非常想要，但很难入手。现在已经可以在流媒体平台上听到了，Spotify上可以听到的《Eugina (Pacific Diva)》版本最接近当时的原音。其他版本偏向夜店风太强。YouTube上搜索“Salt Tank Eugina”可以找到当年一样的版本，是最“Epic”的版本。另外Paul Oakenfold制作的《Eugina 2000》也非常推荐，遗憾的是目前在流媒体平台上找不到。

Hybrid的《Finished Symphony》也属于这条风格，正如曲名所示，使用了弦乐。

这种声音后来逐渐向Trance靠拢。我觉得Airscape的《L'esperanza》大热正是这个过渡的关键点。Rank 1的《Airwave》也成了大热曲，在夜店几乎循环播放。TILT则是把Robert Miles的《Children》改编成了Trance风格，变成了《Children (Tilt's Courtyard Mix)》，喜欢原曲的朋友必听。

那个时候，唱片店终于设立了小型的Trance专柜。在这之前，Trance与Techno是混在一起的。

我为了收集更多的CD，经常跑去梅田的大阪圆形大厦里的Tower Records。只要是Trance专柜里的单曲CD，不管是什么样的曲子我都毫不犹豫地入手。特别是xtravaganza这个厂牌，那种放大右眼的封面设计总是直击我心弦，即便不知道曲子内容也会买。Airscape的《L'esperanza》就是这样，还有TOMSKI的《Love Will Come》。

1999年到2000年，也正是《AIR》开发期间，那时我经常在Key的开发室里和Na-Ga两人加班，Na-Ga也渐渐喜欢上了Trance，我们就在工作时开着大音量的音响播放着这些音乐。

Watergate的《HEART OF ASIA》是首无视版权的曲子，其实是坂本龙一的《圣诞快乐，劳伦斯先生》的Trance版。但它通过部分旋律的修改，做出了微妙的平衡。虽然谁听都知道是“战メリ”，但被升华为Trance之后，那种情绪高涨感依然无与伦比。Na-Ga也很喜欢这首。

MOONMAN的《GALAXIA（Solarstone Remix）》节奏轻快，我也很喜欢。Cygnus X的《Superstring（Rank 1 Remix）》也是同样等级的喜欢。

Gouryella的歌曲们基本都是满满哀伤的Trance曲，我超爱。

ATB的《Kayama》和《The Fields of Love》也深得我心，《Barber's Adagio for Strings（ATB Remix）》同样出色。

Ian Van Dahl的《Castles in the Sky》有7个混音版本，每个都好得难以取舍。

我最喜欢的一首Trance曲是Digital Control的《Dreams Last For Long（Extended Pulp Victim Remix）》。现在在流媒体上搜这首歌会发现艺人名写的是Pulp Victim，我也搞不懂为什么。我的记忆中，Digital Control是Trance界大佬Ferry Corsten的别名之一，如果记错了还请见谅。

几年后，俱乐部音乐界迎来了“什么都改成Trance就对了！”的热潮，但也因此迅速被听众厌倦，最终热潮走向终结。

现在的Trance已经变成了EDM，加入Vocal成为主流。但我所追求的Trance，特别是Epic Trance，是没有Vocal、也不靠旋律的那种风格。

……虽然我说了这么多，但在《Heaven Burns Red》里我还是把Trance风格的编曲加上了Nagi的Vocal！（笑）

我现在的梦想，就是让BT来Remix《Heaven Burns Red》中的曲子。如果能实现就好了。在那之前得先让项目成功，赚到足够的报酬才行！

虽然这次全都是Trance类，但我要说一句，Drum'n'Bass的Omni Trio那张《Skeleton Keys》是充满哀愁的经典俱乐部音乐专辑。

此外我也超喜欢Bochum Welt。他的专辑《Module 2》宣传语是“如封面所示，是在做像游戏一样的Techno音乐”，但那里面的电子音乐的哀伤，已经和Aphex Twin不相上下了。越是最近的专辑越深邃，我也越来越喜欢。

说到Aphex Twin，我最喜欢他的作品《Selected Ambient Works 85–92》中的《Xtal》，那种幽玄感让人沉醉。而在《...I Care Because You Do》中，我最喜欢的是《Mookid》和《Alberto Balsam》。EP《On》也超棒。顺便说一下，《On》的μ-Ziq Remix版本《On (μ-Ziq Mix)》也是经典中的经典，那种神仙组合当然不可能失败，反而是带来了奇妙共振，直击内心的Remix佳作。

第6部分

《ONE ～光辉的季节～》发售之后，久弥（直树）写的剧本广受好评，被誉为天才脚本家。而我则被骂成“不中用的脚本家”，被贬得一无是处。即便如此，我依然决定要和他在同一个团队中努力下去。

那时，成为我心中主题曲的，就是那一年发行的 Mr.Children 的《无尽旅程（終わりなき旅）》。

“越是高耸的墙，翻越后的感觉就越美妙”——这句歌词中，那道“墙”对我来说，就是久弥君。

我大学时代开始就一直听 Mr.Children，最让我下定决心“今后也要追随这个乐队”的契机，是那首《Tomorrow never knows》。

他们的三张专辑《Atomic Heart》、《深海》、《BOLERO》完成度简直惊人。我个人特别喜欢《ALIVE》，和上面提到的两首歌一起，是我最爱的一组曲目。

差不多同一时期，在某家餐厅里我听到了一首超级棒的曲子。那个年代没法像现在这样随手就能查歌名，我只能拼命在CD店里一家家寻找。

后来，功夫不负有心人，我终于找到了——那就是 Scudelia Electro 的《TRUTH》。

收录这首歌的首张专辑《Scudelia Electro》，至今仍稳居我个人“日系音乐终身排行榜”第一位。我尤其喜欢里面的《SUPER SONIC LEVEL》。紧接着发行的迷你专辑《ULTRA SONIC》我也非常喜欢。

Scudelia Electro 是由原 Spiral Life 成员石田庄吉（石田ショーキチ）担任主导的音乐团体，而 Spiral Life 的另一位成员车谷浩司，后来以 AIR 为名开始了个人活动。

他的第一张专辑《WEAR Off》里收录的《HAIR DO》——就单曲来说，是我心目中“日系音乐终身排行榜”第一位的作品。

回过头来看，Spiral Life 真的是一个拥有惊人才能的组合，让人不禁战栗地感叹：“这组合到底有多厉害啊！？”

Key 的开发室服务器里，有一个大家可以共享的区域，所有人会把自己买来的 CD 转成 MP3 放进去共享。

那时还在 Key 的美术人员“みらくる☆みきぽん”分享了 GARNET CROW 的《first soundscope ～水のない晴れた海へ～》和东京エスムジカ的《World Scratch》，让我大受震撼。

这两个团体我都非常喜欢，东京エスムジカ的现场演出我还亲自去看过。

另外，《Angel Beats!》里的百合（ゆりっぺ），她的名字和昵称就是直接借用了 GARNET CROW 主唱的名字。

我本身也是游佐未森的超级粉丝，所以自然也被称作“科技版游佐未森”的村上由香（村上ユカ）所吸引。她的第二张专辑《アカリ》至今仍在我日系音乐个人排行榜的上位常驻。她的单曲《小鸟（单曲版本）》我也特别喜欢。

在我心目中，“展开翅膀飞翔于天空”主题的三大名曲分别是：

- ZABADAK 的《不休的翅膀（休まない翼）》

- 村上由香的《小鸟（单曲版本）》

- Jungle Smile 的《飞吧！伊卡洛斯（翔べ! イカロス）》

在大阪梅田丸大厦的 Tower Records，我试听了一张当时被称作“和风版XTC”的 CARNATION 的专辑《505 ～Five Oh! Five～》，简直被电到了。

尤其是其中的《市民游泳池》和《夜之烟囱》让我完全着迷。特别是专辑《EDO RIVER》，我超喜欢，堪称神作。

《Little Busters!》主人公的名字，其实就是结合了 CARNATION 的主唱直枝政广和 Art-School 主唱木下理树的名字组合而成的。

既然会听 CARNATION，那自然也会接触 Moonriders。是中川推荐给我的。

其中的《青空百景》简直是神专辑，我也特别喜欢《Bizarre Music For You》。

如果你是第一次接触他们，我推荐《Anthology 1976-1996》。这是一张双CD的精选集，虽然我几乎没听第一张，但第二张几乎每一首都是神曲，可以反复循环播放。

第7部分

现在，是时候谈谈平泽进了。

因为在1997年播出的《剑风传奇（Berserk）》动画中担任配乐与插入歌的制作，他的名字广泛传入了动漫迷的圈子。但对当时的平泽进粉丝来说，从《剑风传奇》入坑的新粉会被打上“伪粉”的烙印，认为不够资格。

我自己也很惭愧，其实正是从那部作品开始喜欢上他的，也算是伪粉了。

那是在我还在Tactics（公司）的时候听说了平泽这个名字，在网上搜索了一下，刚好那时可以试听《電子悲劇/～ENOLA》中的部分曲目。那个时期能在网上试听MP3这种事几乎没有见过，平泽进可以说是提前预见了后来订阅制音乐的时代，他的远见令人惊叹。

这张专辑中的《ENOLA》《LAYER-GREEN (ver.1.05 Gold)》《ASHURA CLOCK (Discommunicator)》首首让我震撼。我立刻去了梅田的Tower Records入手了这张专辑，听完之后全身起鸡皮疙瘩，作品完成度之高让我震惊。

之后我又自然地买下了收录了他个人作品的精选辑《魂のふる里》，其中《ハルディンホテル[Fractal Terrain Track]》《バンディリア旅行団》《ヴァーチュアル・ラビット》等曲让我彻底被感动，也意识到：我可能更喜欢他个人的作品风格。

一年后，我跳槽到VA（Visual Arts）工作，遇到了一位P-MODEL铁杆粉丝的前辈。他对平泽的个人作品并不买账，是那种完全站P-MODEL（平泽过去的Techno风格乐队）一边的“原教旨派”。（P-MODEL虽然是乐队，但偏向Techno路线，而平泽的个人作品则更有一种有机的Pop气质。）

我借来了他拥有的所有CD，全部录到了MD里。现在想来，其中那张非常稀有的《SCUBA》CD……其实是被我“借了不还”。在这里郑重道歉，对不起！

反过来，他没有的平泽个人专辑《AURORA》《Sim City》《SIREN》等等我也都陆续购入。

《AURORA》中的《オーロラ》旋律非常上头，我会推荐给新手从这首歌入门。只是他特有的主旋律跨八度跳跃技巧会让人瞠目结舌。这个手法至今我也没见过别的艺术家使用过，因为这需要极宽的音域——至少两个八度，几乎不可能。

《Sim City》一作则大幅吸收了泰国音乐元素，初听极难亲近，但越听越有味，是张名盘。尤其是《Echoes》这首歌，让我第一次意识到“从未拥有却似曾相识的怀旧感”这种自相矛盾的情绪，这影响了我后来的创作方向。

《SIREN》也是张神作，先是《Siam Lights》这首抒情佳作，接着以更加宏大的《Mermaid Song》作结。这张专辑第一次让我意识到：在某些时刻，器乐也无法替代人声歌曲的表现力。

接下来是1998年发行的《救済の技法》，这张我终于赶上了发售时的实时跟进。这张专辑至今仍被我视为平泽进的个人巅峰之作。第一首《TOWN-0 PHASE-5》就非常抓耳又流畅，而第三首《庭師KING》则是我最喜欢的曲子。这是我唯一知道的、用三拍子却能这么帅气的曲子。《橋大工》也是一首非常宏大的抒情作品。

至于P-MODEL方面，强烈推荐的是结合了“P-MODEL”时期和“big body”时期精华的最强精选集《ゴールデン☆ベスト P-MODEL「P-MODEL」＆「big body」》。还有虽然增益开得太高，听起来有点刺耳，但却全是神曲的《LIVE的方法》也绝不能错过，是“必修课”。

之后，每当有新专辑发布，我都会第一时间预订购买，这个习惯直到今天也没断过。而去年，平泽再次发布了一张令人震撼的神专。

那就是以核P-MODEL名义发布的《回＝回》。

到了这个阶段，竟然还能创作出如此流畅悦耳、旋律动听、极具流行感的专辑，真是不可思议。其中我最爱的曲子是《遮眼大师》。这首歌的歌词、旋律和结构全都不是这个世界上任何人能想出来的。拜托了，请一定要听听看。

第8部分

在制作《CLANNAD》的那段时期，我深深迷上了“ロキノン系”（日本的摇滚杂志《ROCKIN'ON JAPAN》系乐队风格）。

这次要说的，就是其中之一——Syrup16g 的回忆篇。

特别是在制作《CLANNAD》期间，各种无理的事情接连不断地发生，我感觉自己是在寻找一支能替我咆哮的乐队。

Syrup16g是通过收录在某张合辑中的《生活》这首歌让我入坑的。歌词“心なんて一生不安さ（人的内心一辈子都在不安）”深深地刺进了我的心。

归根结底，人类是不完美的、有缺陷的，无论和谁在一起都无法摆脱不安感，这句歌词让我彻底确信了这一点。

于是我立刻去梅田的Tower Records买下了迷你专辑《Free Throw》和专辑《COPY》。

《Free Throw》当时是独立发行的作品，所以音质不太好，不过《Sonic Disorder》和《明日を落としても》这两首我到现在都很喜欢。

《COPY》是张名盘。负责词曲和演唱的五十岚先生虽然不太写那种朗朗上口的旋律，但专辑中却充满了越听越有味道的好歌。前面提到的《生活》也收录其中。

不过，我最喜欢的专辑是2002年发行的主流出道第一张专辑《coup d'Etat》。

《My Love’s Sold》《神のカルマ》《生きたいよ》《手首》《ソドシラソ》《空をなくす》《汚れたいだけ》……每首都超棒！

尤其是《神のカルマ》里那句歌词——“最新ビデオの棚の前で2時間以上も立ちつくして何も借りれない（站在最新影片架前超过两个小时却什么也借不出来）”，这完全就是我本人。

以前工作结束后，我会去天六的TSUTAYA想随便租点电影来打发时间，但我太过优柔寡断，真的就会变成歌词里那样一动不动地站着，什么也决定不了。

那时我也在看身心科，所以这首歌给我的共鸣实在太强烈了。

还有《ソドシラソ》这首歌，其中那句“俺は期待はずれ まとはずれ バカは並はずれ（我令人失望、离题万丈、笨得异于常人）”的歌词也戳到我了。

当时因为其他工作人员的关系我才被人关注，但一些看穿了我的人其实早就明白“这家伙其实是个笨蛋”，所以我完全无法把这首歌当作与己无关。

不过，在副歌最后一直重复唱着“ソドシラソ”的部分，我当时一直觉得，“不如给这段加点真正有意义的歌词会更好吧？”

然而，在制作《CLANNAD》期间实在发生了太多荒谬无理的事情，最终让我理解了那段的意义，并为此感到震撼。

当人的思考中断，精神彻底崩溃时，脑海中真的一个词语也浮现不出来。此时从嘴里发出的不再是语言，而是毫无意义的音阶。

虽然实际唱的音阶并不真的是“ソドシラソ”，但它表现出的就是那种虚无感——在极度麻木、生存疲乏之下，唯一能发出的只有毫无意义的声音。

当我意识到这点时，我哭了。因为那正是当时的我自己。

专辑的标题曲《coup d'Etat》是一首像《空をなくす》的前奏一样短短的歌曲，但其中的“声が聞こえたら神の声さ（若你听到了声音，那就是神的声音）”这句，也深深刺痛了我。

是啊，我已经不正常了。这句歌词，也是那时的我。

接下来的专辑《HELL-SEE》，原本是要出单曲的，预算和行程也都是按单曲来排的，

但五十岚先生坚持“不想让这支乐队去追求单曲畅销”，结果他们就在那个预算和行程下直接做成了完整专辑，这张作品因此也成了传奇。

其中我最喜欢的是《不眠症》，听了真的会一直哭。

还有，《シーツ》这首，请务必要听听看。副歌唱着“いつかー”，但我觉得他其实是在唱“リストカット（自残割腕）”。

歌词也正是描写割腕的内容。比如“シーツ洗われていくよ毎日交換（床单每天都被洗，每天都换）”，就是说每天都被血弄脏了。

又比如“次第にMy body's end（我的身体渐渐走向尽头）”，这明显是反复自杀未遂的描写。

我曾经在某个论坛的粉丝帖中发过这番分析，却被人回说“妄想乙”就结束了。为什么啊？我真的觉得他唱的是“リストカット”啊！

他们宣布解散后发布的最后一张专辑《Syrup16g》我也非常喜欢。

因为整张专辑都贯彻了“对这个世界、对音乐业界已无眷恋”的超然理念。

而九年后，发行了《delaidback》。这是他们复出后我最喜欢的专辑。

虽然是以过去的存货曲目为基础制作的，但我特别喜欢《光のような》和《透明な日》。

尤其是前者，完全不追求唱得好听，纯粹是充满鬼气逼人的咆哮。我出院后常常听这首。

虽然是以单曲身份发售的，但《リアル》也请一定要听听看。

在不是以 Syrup16g 名义发布，而是五十岚本人名义发行的演唱会 BD《生還 live at NHKホール》中，这首歌在正式发表前就已演出过，

所以喜欢《delaidback》的朋友，我也强烈推荐这张Live DVD。

当然还有《動脈》《静脈》这两张比较中规中矩的精选辑，但如果你想直接感受到Syrup16g的魅力，我会推荐《COPY》和《coup d'Etat》。

第9部分

这次主要是硬核回。

在制作《Kanon》和《AIR》的时期，为了沉浸在那个世界中，我总是听些忧郁的Trance音乐，或者当时流行的Windham Hill这类哀伤的曲子，但某天，我突然产生了“想听刺耳音乐！”的冲动，就在CD店的试听区听到了“Meshuggah”的第4张专辑《Nothing》，由此打开了那扇门。专辑一开场就是中速、低音厚重的吉他riff，不知为何让我无法自拔。主唱始终在嘶吼，那种“替我对这个不讲理的世界怒吼”的感觉，与我当时的精神状态强烈共鸣，让我沉迷其中（顺带一提，我完全不知道歌词在唱什么）。

后来，在ZOZOTOWN还叫Start Today的年代，我遇到了一个叫“STMonline”的进口CD/黑胶销售网站。这个网站简直像梦一样，提供试听，而且贩售很多CD店里找不到的稀有唱片（甚至可以买到全球只流通100张的CD）。

他们把音乐分成emo、screamo、new school、old school几个类型。emo是没有嘶吼、旋律感较强、像流行音乐的摇滚；new school和old school则是真·硬核，全程咆哮。而介于两者之间、既有旋律又有咆哮的就是“screamo”，我一下子就爱上了它。

被誉为screamo名曲的，就是“Saosin”的《Seven Years》这首歌。A段、B段的嗓音纤细而敏感，但副歌突然情绪爆发，掺杂着咆哮。啊，副歌结尾的那一段也太哀伤了吧。这种激烈的曲子居然能让我想哭，已经接近“悲鸣”级别了。

从那之后我开始疯狂收集各种screamo专辑。像是“THE USED”的《THE USED》、“SILVERSTEIN”的《When Broken Is Easily Fixed》都是神作，我也特别喜欢“Under∅ath”的早期作品。

我最喜欢的screamo乐队是“Dead Poetic”。旋律与咆哮的平衡简直天才。他们在1st专辑《Four Wall Blackmail》和2nd专辑《New Medicines》时还是screamo风格，从第3张开始转成纯净嗓，就没再继续追了。

原本我没有接触全程没有旋律、只有咆哮的硬核类型。我知道那种音乐只有吼叫，没有主旋律，对我来说简直是潘多拉的盒子，一旦打开就完了，一定会沉迷得无法自拔——结果我还是打开了。

最初是试听了“Caliban”的专辑《Vent》。他们的咆哮比screamo更锋利，有种“靠近我者皆刺杀”的气势。刚好那时候我也有些情绪烦躁，所以又一次产生了共鸣。

当时的我像是要发泄工作压力一样，每天都会试听并下单，一回到家就能收到STMonline寄来的CD。那时候我每个月买大概40张CD。现在我也还是挺疯的，但那时候更疯。

我也开始听old school，像是“Hatebreed”和“Terror”是我的最爱，甚至像听摇篮曲一样听着它们入睡。

最终，我沉迷到了一个叫做“chaotic hardcore”的类型。

“Converge”的《Jane Doe》被誉为神作。但我也花了不少时间才习惯它。对普通人来说，这几乎就是噪音。每首歌都像是指甲疯狂刮黑板的声音，但其冲动性和热量却爆表。我到现在仍觉得奇怪，别人到底是在什么场合听这张专辑呢？绝对不适合放松的时候听。感觉它更像是能陪伴那些烦躁、想死、对人生绝望的人们的音乐。如果你去朋友家玩，刚进门就听到这张专辑在放，肯定会忍不住问：“发生了什么事！？你还好吗！？”就是这种程度的异类音乐。但它却得到了正当评价并拥有高人气，真的让我感受到世界的广阔。它的吉他手Kurt Ballou制作的专辑我基本都超爱。

后来，我喜欢的那些硬核乐队，为了走向主流纷纷加入了清嗓部分，逐渐变成一般的emotional rock，我也就不再听了。

我最爱的硬核乐队是“Fordirelifesake”。旋律极其戏剧化、哀伤。专辑《Dance Pretend Forget Defend》是神作。但我最喜欢的是《Breathing in Is Only Half the Function》里的《Four Letter Lie》。这首歌我每次听都会落泪。吉他riff、展开方式、咆哮，全都充满了绝望与哀伤。尤其是最后那段吉他分解和弦开始之后，简直要哭死……女性vocal那段也超催泪……不过那一版好像只是demo，正式收录在《Daydream Disaster》专辑的《Four Letter Lie》音质和混音都更好，是最终形态，但可惜的是少了最后那段女声……

“Taken”的EP《Between Two Unseens》也是超哀伤的名作。就五首歌，这张EP之后他们暂停了活动。整张EP仿佛把他们所有的情感都压缩在了这离别的一刻。现在有一张叫《CARRY US UNTIL THERE IS NOTHING LEFT》的重制合集收录了他们过去的作品。

“Hopefall”的《No Wings to Speak of》和《Satellite Years》也很棒。这类作品被归类为“抒情系硬核”，虽然旋律几乎没有，但凭借情感丰富的咆哮与热血的演奏，简直能哭到无穷无尽。

我也很喜欢“With Resistance”啊……

日本乐队中，我最爱的是“Enzweck”。

这次介绍的这些乐队的主唱，应该没有一个是在笑的。他们全都在用力咆哮，表情痛苦扭曲。

我总是对这个世界抱有不满。因此，我每天都在寻找那些能代替我发泄不公、粗暴、刺痛、绝望的音乐。

第10部分

这次是关于在《CLANNAD》开发时期支撑着我的另一支乐队——ART-SCHOOL 的篇章。

在梅田的TOWER RECORDS邦乐区店内播放的那些曲子，狠狠地刺进了我的内心。那是他们的第二张单曲《DIVA》，收录了四首歌。主唱木下理树当时那种像薄玻璃一般，仿佛随时都会碎掉的纤细又危险的声线，是独一无二的。在《DIVA》中的《Meltdown》，至今仍是我最喜欢的一首歌。从前奏开始就直击胸口。从细腻的A段旋律突然切换到伴随撕裂般吉他的、带着咆哮的副歌。虽说应该被归类为另类摇滚，但当时几乎没怎么听洋乐的我来说，能发出如此强烈声音的乐队存在本身就是震撼。

听到第三张迷你专辑《Charlotte.e.p》后，我就下定决心要一辈子追随他们。众所周知，动画《Charlotte》的标题就取自这张专辑中收录的《Charlotte》。这张专辑还收录了我第二喜欢的《Pool》以及第三喜欢的《I hate myself》，是一张令人恐惧的EP（笑）。那个时期的木下理树的歌声，简直让人觉得他是从喉咙中喷血唱出来的，充满了鬼气迫人的力量。歌词也全都是毁灭性的，充满了自卑感，却美得令人心碎。

接着，他们的第一张专辑《REQUIEM FOR INNOCENCE》发售了。我看到标题的瞬间，不禁倒抽了一口气，发现我们的感性几乎完全一致。

同年的冬天，我以Key+Lia的名义发表了《Birthday Song, Requiem》这首歌。其实我心中原本的备选标题之一，也有《Requiem for Innocence》。因为这是一首描写脱离幼稚、坚强生存下去的歌词。我们在同一时期想到这样的标题，真的让我很惊讶。若说专辑的话，我果然还是最喜欢这张1st。从第一首《BOY MEETS GIRL》、第二首《リグレット》，就是完美的开端。第四首《车轮之下》里，我希望大家特别关注木下理树吸气的声音（breath）。有一种叫做反向钹音（Reverse Cymbal）的音效，是把crash cymbal（碰钹）倒放的声音，我自己的歌曲中也常常在副歌前加入。但木下理树却是靠人力完成的。而且从第二段副歌开始，他的尾音直接变成了尖叫。如果用文字表现的话，大概是那种“啊啊啊啊啊ーーーー啊！！”的感觉吧，完全就是咆哮。当时我还不知道什么叫screamo，所以这首歌也给我带来了极大的冲击。想起那些日子，我一边通勤一边用mp3播放器不断重复地听这张专辑。

之后，单曲《EVIL》发售。自从发布消息后，我就兴奋得难以等待。那时，ART-SCHOOL的新曲就是我活着的动力。在发售前一天，我特地去了当时还在梅田的Disk Pier抢先购买。我也很喜欢主打曲《EVIL》的帅气感，但我最喜欢的其实是《モザイク（Mosaic）》。在副歌部分，失真吉他突然如轰鸣般炸裂，加上那种痛彻心扉的咆哮，真的令人麻痹。

木下理树的歌曲，基本只有A段和副歌，很少有B段。所以并不像普通J-POP那样容易大卖。然而，正如我反复提到的那样，从A段突然被吉他和主唱切裂的那种冲动性，却有着令人恐惧的力量，我正是被这种东西所吸引。

在一张LIVE专辑之后，发行了第三张单曲《SWAN SONG》，其中初回限定盘的（DISC 1）堪称名盘，六首曲子全部都很棒。

虽然在粉丝之间，他们的第二张专辑《LOVE/HATE》似乎是被评价最高的，但我个人更推荐《REQUIEM FOR INNOCENCE》以及后年作为B面精选发行的《Cemetery Gates》这两张专辑。因为这样一来，我喜欢的曲子几乎就都能涵盖到了。

像是《UNDER MY SKIN》或《APART》这些，我喜欢的曲子其实还有很多，但先就说到这里吧。

第11部分

2016年，我患上了重病住院，那时我的生活已经荒废到一种理所当然的程度。回想起那时，我喜欢听的音乐是“Sunn O)))”的厄运金属，那是如今听起来几乎是无法承受的极端音乐，但当时我的精神状态就是那样……现在回想起来，不禁感慨万千。

住院期间，我会用iPod听音乐。例如，我尝试听“amazarashi”的歌曲，但那时我不知道什么时候能出院，甚至可能要做心脏移植手术，歌词太过沉重，我几乎无法承受。所以，我几乎整天都在听The Beatles的音乐。事实上，那时我并没有认真听过他们的歌。

出院后，我通过DEAFHEAVEN的《SUNBATHER》了解了后黑金属（Post-Black Metal）这一充满戏剧性且喧闹的风格，并因此掀起了我个人的后黑金属热潮。《SUNBATHER》被认为是这一流派的经典之作，而我个人却更喜欢“AN AUTUMN FOR CRIPPLED CHILDREN”这支充满忧伤的乐队，他们的专辑《Try Not to Destroy Everything You Love》被誉为经典，我从那里开始接触后黑金属，个人最喜欢的是他们的专辑《The Long Goodbye》。

Alcest是一支非常出名的后黑金属乐队，因为他们的主唱没有咆哮，所以音乐相对容易听。2007年的专辑《Souvenirs d'Un Autre Monde》的封面就给人一种虚幻的感觉，音乐虽然嘈杂，但却能带你进入一个美丽的音响世界。

我在大阪的生活逐渐失去了意义，随着每次会议和配音工作，我都要去东京出差，这让我感到厌倦。因此，在2018年，我决定搬到了东京。然而，在2019年底，我经历了一个让我彻底崩溃的重大事件。

正是因为那件事，我彻底无法再听任何主旋律的音乐。那种有着明确结构、前奏、AB段和副歌，然后再加上间奏和高潮的标准化音乐，让我感到极其无聊，甚至觉得麻木不仁。

我开始渴望刺激性的音乐，开始大量听Deathcore（死亡核）。我知道大家可能不会对这些乐队感兴趣，所以不介绍具体的名字（如果非要选一张的话，我会选JOB FOR A COWBOY的《Doom》），它充满了冲动，简直就是一团噪音。主唱的怒吼几乎都是咆哮，仿佛在替我咆哮这个世界的不公，这让我无法停下来，一直想听下去。

与此同时，我也开始听爵士乐。爵士乐是即兴独奏的对话，完全无法预测下一步的发展，这也是一种让我感到刺激的音乐形式。

一段时间里，我的生活几乎只是在听死亡核和爵士乐。在这段时间里，某天，“+α/あるふぁきゅん。”的专辑《rootage/α》被推荐到了我的订阅中，我下载了它，并且时不时地在玩《龙之谷10》时播放它。这个专辑成为我重新接触主旋律音乐的“康复训练”。

这张专辑的每一首歌都堪称佳作，尤其是《命に嫌われている。》和《ever》，简直太棒了。之后，我继续沉迷于“+α/あるふぁきゅん。”的其他专辑。她的歌唱实力也极其强大。

随后，我又通过“歌い手”（歌手）这个渠道接触到了“松下”，我第一次下载的是她的专辑《ご注文は松下のあとで》，这张专辑也充满了名曲（这类专辑的选曲就像是Vocaloid歌曲的精选集，因此可能并不令人意外）。其中，我最喜欢的是《タイガーランページ》这首歌。受这一系列影响，2019年以后我写的曲子，BPM往往会超过160。

接着，在“歌い手”圈内，我接触到了“めありー”的专辑《彼はきっと魔法を使う。》，这让我第一次听到了“Orangestar”的作品，特别是《空奏列車》，它是如此的经典（我想它应该受到了supercell的《ZIGAEXPERIENTIA》中《時間列車》的影响，那也是一首极为精彩的歌曲）。我也很喜欢《アスノヨゾラ哨戒班》这首歌。虽然可能是我误解了什么，但我有种感觉，“Orangestar”在创作方面有着与我相似的方式，尤其是他们的《アスノヨゾラ哨戒班》，虽然使用的是非常典型的小室哲哉风格的和弦进行，但他们却在这种简单的和弦上不断挑战如何将优美的旋律与之结合。

进一步引起我注意的还有“ヨルシカ”，他们的《だから僕は音楽を辞めた》让我感到深深的震撼，我开始担心以后是否还能创作出比这更出色的专辑。这张专辑在我心目中几乎可以称得上是他们的“巅峰之作”，它让我想起了TM NETWORK的《CAROL》那种风格。无论是旋律、歌词还是歌声，都充满了强烈的怨念，仿佛与我的压抑感情产生了共鸣，让我一次又一次地重复播放，产生了强烈的上瘾感。

另外，在这段时间，我偶然在YouTube广告中听到了一支名为“PassCode”的乐队，完全被他们吸引住了。虽然我从“Ray”这首歌开始接触他们，但他们是当时少数几支既是偶像又能够玩起真实的screamo的冲击性团体之一。他们的单曲还附带有现场DVD，我疯狂地买了好几张。死亡核乐队的现场影像作品并不多见，而“PassCode”则是一群可爱的女孩们演奏着响亮的音乐，这让我在那段时间里，通过看他们的现场DVD或Blu-ray，保持了自己的理智，算是勉强度过了那段艰难时光。

第12回（最终回）

最后想要谈一谈的是 Pat Metheny。这里也包括了 Pat Metheny Group 的作品。

我是在大学时代与他邂逅的。是在电视上看到他来日本公演的广告时，一段旋律跃入耳中，让我久久难忘。于是我去了唱片行，买下了当时的最新专辑《We Live Here》。这张专辑实在是名盘（虽然我觉得第一首歌稍显一般，总是从第二首开始听），我立刻便开始疯狂地收集他过去的作品。

其中《Still Life (Talking)》和《Letter from Home》这两张专辑，被公认为是经典。当时这类音乐比起说是爵士，更像是融合爵士（Fusion）。实际上其中很多曲子都很悦耳动听。被用作《JOJO的奇妙冒险》片尾曲的〈Last Train Home〉正是其中的代表作。我也受到那首歌的影响，在《CLANNAD》中创作了〈Country Train〉这首曲子。

我特别喜欢的是《Secret Story》中收录的〈Facing West〉。如果想听听动听旋律的曲子，我觉得可以去听那张类似精选集的《Essential Collection / LAST TRAIN HOME》。

不过，我真正喜欢的 Pat Metheny，并不是作为融合风格的吉他手，而是作为一位爵士吉他手的他。

《We Live Here》之后发行的是《Quartet》。那张专辑里几乎没有悦耳的旋律。当时的我完全无法理解那样的美感。

2000年发行的三重奏专辑《Trio 99→00》是纯粹的爵士三重奏风格，我甚至一度觉得，“我喜欢的那个 Pat Metheny 已经回不来了”，感到了一种心理上的距离。

然而，就在近些年，我的耳朵渐渐拉近了那段距离。

每当我经历一些令人心碎的事情时，Pat Metheny 所编织的旋律总能治愈我。

他的吉他独奏快速、充满紧张感，但最重要的是——他的音色始终温暖。

即使是快速的独奏，Pat Metheny 依然是以垂直的角度拨动琴弦。这是他本人在1995年播出的《笑福亭鶴瓶的世界音樂》中所亲口说的。他甚至不是用拨片尖锐的一端，而是用呈弧形的那一端来弹奏。

再加上他所使用的，是电吉他中如同空心木吉他般带有共鸣箱的 hollow-body 吉他，因此音色格外温润。他即便牺牲效率，也要守护那份音色。

至今我听过很多爵士吉他手的作品，但能够奏出那种音色的，唯有他一人。是独一无二的存在。

我开始反复聆听1990年发行的《Question and Answer》。那是一张爵士专辑，却充满摇滚精神。据说当时唱片公司老板违背演奏者意愿，在混音时将音效调得柔和，但即便如此，那股强劲的演奏仍旧传达得淋漓尽致。

论音色的优美，还是《Trio 99→00》更容易听。

不过，我最喜欢的还是三重奏现场专辑《Trio → Live》。像〈All the Things You Are〉这样一首歌，无论是即兴演奏还是精心编排，Pat Metheny 都能即刻接连不断地编织出崭新的乐句，令人叹为观止。

这些三重奏作品，《Question and Answer》《Trio 99→00》《Trio → Live》《Day Trip》，从2019年以后就一直是我内心的依靠。

虽然他也有很多影像作品，但不知为何，唯独这些三重奏的没有被拍成影像。他在台上的演奏状态近乎癫狂，简直不像人类能做到的程度，我只好在 YouTube 上搜索他的演奏画面来看。

最让我感激的是，他如今仍活跃在第一线，持续发行新作。2020年发行的《From This Place》，起初也让我感觉平平，但坚持相信、反复聆听之后，它变成了一张杰作。

这类作品太复杂了，所以我并不推荐谁去听。只是，最后我想写下的，是现在的我仍不断被 Pat Metheny 拯救着。

这一年来，感谢各位的陪伴。